凹凸庫与里森画廊共同呈现群展“○ — □”（圆 | 线 | 方），凹凸庫精选“装饰艺术”（Art Deco）风格家具与设计藏品，同时展出里森代理艺术家的作品，参展艺术家包括理查德·迪肯（Richard Deacon）、斯宾塞·芬奇（Spencer Finch）、瑞安·甘德（Ryan Gander）、卡门·埃雷拉（Carmen Herrera）、安尼施·卡普尔（Anish Kapoor）、理查德·朗（Richard Long）、朱利安·奥培（Julian Opie）、佩德罗·雷耶斯（Pedro Reyes）与杉本博司（Hiroshi Sugimoto）。展览从圆 | 线 | 方三种基本几何形出发，探讨它们在当代艺术、设计与室内空间中的多重表达。

圆 | 线 | 方是视觉语言中的基本形态，也反复出现在装饰艺术风格的建筑立面、家具和器物细节中。本次展览从这三种形态出发，展出绘画、雕塑、摄影及观念艺术作品。这些作品的媒介和创作方式各不相同，形式上却彼此呼应，由此引出对材料、观看体验与空间的思考。展览中同时陈列上海Art Deco家具藏品，这些藏品展现出上海与装饰艺术独特的历史渊源，与艺术家作品构建更多视觉上的连接。装饰艺术曾在二十世纪上半叶成为上海建筑与设计语言里极具代表性的一部分。

走进凹凸庫位于M50艺术园区的展厅，迎接观众的是三件以“圆”为主要特征的作品。安尼施·卡普尔两件雕塑：雪花石雕塑《无题》（Untitled, 2022）表面刻凿出一圈圆形镂空，石材本身通透的质感与天然纹理为作品赋予丰富的层次，随着光线与观看角度变化，呈现不同的视觉感受，及艺术家长期对材料、虚空与观看体验的探索。镜面作品《普鲁士蓝渐变至有机青墨》（Prussian Blue to Organic Green and Black, 2023）的色彩表达，彰显了这一系列作品的绘画性，同时体现了卡普尔对空间现象与多元媒介的深入探索，引导观众在物体表面、镜像反射与周围空间之间建立联系。瑞安·甘德的《天象/时间运势（肃远之月）》（Natural Sign / Time Management (Solemn estranged moon), 2021）呈现一轮圆月，艺术家将蘸有丙烯颜料的平底锅直接印在牛仔布上创作而成。作品延续了艺术家的观念艺术实践，将熟悉的图像、日常材料与意料之外的联系并置，引导观众重新思考意义生成的方式。

随后，观众可以看到一组表现“线”元素的作品。理查德·朗的摄影作品《长江石线，中国》（River Yangtze Stone Line, China, 2010）记录下艺术家在长江之行中对自然景观所作的一次艺术介入，他长期通过行走、风景与当地材料展开的创作实践。作品《无题》（Untitled, 2024）中，高岭土被涂抹在铝板之上，留存下艺术家作画的力度与痕迹，及材料在重力作用下自然流淌的状态，体现创作时的身体动作与材料本身的相互关系。朱利安·奥培以高度精简的视觉语言处理人物形象，通过线条、色彩与简化的形态呈现人物身体。两件来自《冬日面影》（Winter head）系列的作品聚焦人物头部，而《斯蒂芬妮和约书亚》（Stephanie and Joshua., 2024）则将这一语言延伸至两位站立的人物。轮廓、姿态与细节上细微的差别，成为辨识人物、体现个体特质的关键。理查德·迪肯的《共同体-红色斑点》（Red Speckle Republic, 2009）以数根釉面陶瓷棱柱组合而成，它们既像一捆薪柴，又像一局散落的挑棒游戏，它们仿佛只是临时聚合一处。这件作品体现了迪肯长期对于结构、材料转化，局部和整体关系的研究。佩德罗·雷耶斯的《石板琴（六音阶）》（Lithophone (Hexatonal), 2018）以大理石媒介创作的雕塑，如同作品标题所示，错落排布的“琴片”，带给观众关于声音与器物功能的联想。

凹凸庫二楼展厅集中呈现“方”所代表的克制、秩序与稳定。卡门·埃雷拉的两件几何色块作品，凝聚了她七十余年创作生涯的严谨。她精细把控色彩、边缘与比例，让平面上简单的形态生发出三维空间的张力与动势。斯宾塞·芬奇的《迷彩（消隐）》（Camouflage (erased), 2021）聚焦作画与擦除的过程，绘画与擦除的行为：色粉绘制的迷彩图案被一点点擦去，画面留下若隐若现的痕迹，让显现、消隐与记忆形成微妙的呼应。杉本博司的两件摄影作品则带来另一种关于观看与空间的体验。《利古里亚海，里奥马乔》（Ligurian Sea, Riomagio, 1993）中的大海与天空在一道清晰的水平线上相接，将风景还原为光线、色调与空间之间最基本的关系；而《巴黎东京宫，37号厅》（Salle 37, Palais de Tokyo, Paris, 2013）则将视线转向电影院内部，银幕、图像与建筑环境共同构成摄影画面。